El magnesio es un mineral esencial para el cuerpo humano que desempeña un papel importante en una amplia variedad de funciones corporales. A pesar de su importancia, muchas personas no consumen suficiente magnesio en su dieta diaria.

Clarín

¿Por qué tomar magnesio?

El magnesio es un mineral importante que ayuda en la formación de los huesos, la síntesis de proteínas, la función muscular y nerviosa, y la regulación de los niveles de azúcar en la sangre. También puede ayudar a prevenir enfermedades cardíacas, la diabetes y la osteoporosis.

Además, algunas investigaciones sugieren que el magnesio puede ayudar a reducir la ansiedad y mejorar la calidad del sueño. Un estudio publicado en el Journal of Research in Medical Sciences encontró que la suplementación de magnesio puede mejorar los síntomas de la depresión y la ansiedad en mujeres con síndrome premenstrual.

¿Cuál es la mejor hora para tomar magnesio?

La mejor hora para tomar magnesio depende del tipo de suplemento que esté tomando. Los suplementos de magnesio se encuentran en diferentes formas, incluyendo pastillas, cápsulas, polvos y líquidos.

Los suplementos de magnesio que contienen óxido de magnesio son los menos absorbidos por el cuerpo. Por lo tanto, es recomendable tomarlos con una comida para ayudar a aumentar su absorción.

Los suplementos de magnesio que contienen citrato de magnesio, glicinato de magnesio o malato de magnesio son más fácilmente absorbidos por el cuerpo. Por lo tanto, pueden ser tomados con o sin comida. Sin embargo, es recomendable tomarlos con alimentos ricos en fibra para evitar la diarrea.

Además, la mejor hora para tomar magnesio puede depender de sus necesidades personales. Si está tomando magnesio para ayudar a mejorar la calidad del sueño, es mejor tomarlo antes de acostarse. Si está tomando magnesio para ayudar a regular los niveles de azúcar en la sangre, es mejor tomarlo con las comidas.

El Instituto Nacional de Salud (NIH, por sus siglas en inglés) de los Estados Unidos recomienda que los hombres adultos consuman alrededor de 400-420 mg de magnesio al día, y las mujeres adultas consuman alrededor de 310-320 mg al día. Sin embargo, muchos expertos creen que estas recomendaciones son demasiado bajas y que las personas deberían consumir más magnesio en su dieta diaria.

El NIH también señala que la mayoría de las personas en los Estados Unidos no consumen suficiente magnesio en su dieta diaria. Según el NIH, las fuentes ricas en magnesio incluyen verduras de hoja verde, nueces, semillas, frijoles, granos enteros y productos lácteos.

La Asociación Dietética Americana también recomienda que las personas obtengan su magnesio de fuentes alimentarias en lugar de suplementos. Sin embargo, si necesita tomar un suplemento de magnesio, consulte con su médico antes de comenzar a tomarlo.

¿Cuándo es peligrosa la deficiencia de magnesio?

Además de los beneficios mencionados anteriormente, la deficiencia de magnesio también puede tener efectos negativos en la salud. La deficiencia de magnesio puede causar síntomas como fatiga, debilidad muscular, calambres musculares y temblores. También se ha relacionado con enfermedades como la hipertensión, la enfermedad cardíaca y la osteoporosis.

Es importante tener en cuenta que el consumo excesivo de magnesio también puede tener efectos negativos en la salud. Si toma demasiado magnesio en forma de suplemento, puede experimentar diarrea, náuseas, vómitos y otros problemas digestivos.

En resumen, el magnesio es un mineral esencial que desempeña un papel importante en muchas funciones corporales. La mayoría de las personas no consumen suficiente magnesio en su dieta diaria, lo que puede tener efectos negativos en la salud. Si necesita tomar un suplemento de magnesio, consulte con su médico y asegúrese de tomarlo en la dosis recomendada y en el momento adecuado para sus necesidades individuales.

Hasta agosto de 2020, Dona Vaughn había sido directora artística de ópera durante mucho tiempo en la Escuela de Música de Manhattan. Su experiencia incluyó cantar, actuar y dirigir dentro y fuera de Broadway y en escenarios de ópera. La producción de 2019 de la Escuela de Música de Manhattan de la ópera buffa poco conocida de Saverio Mercadante, I due Figaro , mostró su influencia en interpretaciones estudiantiles asombrosamente carismáticas e ingeniosas.

Por: Heather Mac Donald – Spiked

Vaughn se comprometió a defender a los músicos de minorías, tanto que les otorgó una beca en su alma mater, Brevard College en Carolina del Norte. «En todos mis años de enseñanza», dijo en ese momento , «a menudo he deseado que se animara a más miembros de minorías a ejercer una profesión musical». Además de los clásicos, produjo obras contemporáneas con conciencia social, dando la primera puesta en escena profesional, por ejemplo, en el Festival de Ópera de Fort Worth de una ópera feminista sobre una monja del siglo XVII.

Sin embargo, a la mafia no le importan los hechos. El 17 de junio de 2020, Vaughn estaba dando una clase a través de Zoom sobre teatro musical. Una participante no identificada, cuyo nombre e imagen fueron oscurecidos, le preguntó, de la nada, cómo podía justificar haber producido la opereta supuestamente racista de Franz Lehár, Das Land des Lächelns ( La tierra de las sonrisas ), varios años antes. (El pecado racial, en este caso, supuestamente fue contra los asiáticos). Vaughn interrumpió al interrogador por plantear un tema irrelevante para la discusión actual.

La mecha estaba encendida. Inmediatamente se recibió una petición de los estudiantes de la Escuela de Música de Manhattan. Vaughn debe ser despedida porque es un «peligro para la comunidad artística», tronó. La petición resucitó un meme de la época de la producción de Lehár: que Vaughn había elegido a una cantante negra como mayordomo, lo que supuestamente demostraba su racismo. En buena medida, la petición incluyó «informes» no especificados de «agresión homofóbica y vergüenza corporal». La petición obtuvo rápidamente 1.800 firmas. Cuentas falsas de Instagram con el nombre de Vaughn aparecieron repentinamente en la web, que contenían material incendiario falso.

Los colegas de Vaughn, acobardados por la multitud, la dejaron retorcerse en el viento. Casi ninguno salió en su defensa. Vaughn fue despedida y reemplazada por un hombre negro.

Días después del despido, el instigador anónimo de la petición publicó un seguimiento:

‘¡Victoria! Dona D Vaughn ha sido destituida de su puesto en MSM. Gracias a todos los que apoyaron esta petición. El trabajo nunca termina y espero que todos se sientan fortalecidos por esta victoria.’

La ‘esperanza’ está bien fundada; en el próximo derribo. En cuanto a Vaughn, estaba en estado de shock. ‘No tengo palabras para describirlo. Es culpa por alegación’, dijo en ese momento.

Musicología en el banquillo

En los últimos años, otro académico también ha estado luchando contra una acusación igualmente falsa de racismo. Timothy Jackson es profesor de teoría musical en la Universidad del Norte de Texas. Se especializa en el trabajo del teórico musical austriaco del siglo XX Heinrich Schenker, quien desarrolló un influyente sistema de análisis que identifica los elementos más importantes de una frase musical para explicar el impacto emocional de la frase y su papel dentro del desarrollo temático de una obra. Jackson también es el exdirector del Centro de Estudios Schenkerianos y el exeditor del Journal of Schenkerian Studies .

En noviembre de 2019, el musicólogo de Hunter College, Philip Ewell, pronunció un discurso de apertura en la reunión anual de la Society for Music Theory, titulado ‘Music Theory’s White Racial Frame’. Ewell argumentó que la clasificación de notas y armonías de Schenker dentro de una composición es simplemente un sustituto de una clasificación supremacista blanca de las razas. El ‘marco racial blanco’ del análisis Schenkeriano ha impedido que los negros se conviertan en teóricos de la música, sostuvo Ewell.

Jackson respondió haciendo un llamado a los miembros de la Society for Music Theory (incluido Ewell) para contribuir a un simposio en el Journal of Schenkerian Studies . La mayoría de los ensayos, publicados en julio de 2020, fueron críticos, aunque algunos fueron de apoyo. Pero pocos afirmaron lo obvio: que equiparar la clasificación de notas y armonías de Schenker con las jerarquías raciales es una locura.

Una jerarquía de tonos y armonías dentro de esos tonos es constitutiva de la música tonal occidental. No tiene nada que ver con una supuesta jerarquía racial. La posición de Ewell significa que la música tonal es en sí misma racista. Todo compositor que escriba en un idioma tonal, incluidos los compositores de color, estaría involucrado en una empresa racista. Lo mismo sería cualquier persona en cualquier campo de actividad que reconozca elementos dominantes y subdominantes, ya sea análisis de arte, química o ingeniería. Las distinciones entre fuerzas gravitatorias, nucleares y electromagnéticas harían de nuestro mismo universo un sitio de racismo cósmico. Por supuesto, la pendiente resbaladiza retórica no asusta a Ewell. Nunca puede haber demasiados ejemplos de supremacía blanca.

La respuesta de Jackson se centró en las denuncias de Ewell de Schenker como un protonazi. Ewell no mencionó el estatus de forastero de Schenker como judío austríaco o la muerte de su viuda en un campo de concentración. El silencio de Ewell sobre estos asuntos, escribió Jackson, puede estar relacionado con el antisemitismo negro. Ewell ha pedido más repertorio de rap en los planes de estudio de música. Antes de acceder a esa demanda, aconsejó Jackson, los departamentos de música deberían lidiar con el antisemitismo y la misoginia del rap. La infrarrepresentación de los negros en la teoría musical se debe al hecho de que pocos negros «crecen en hogares donde la música clásica es profundamente valorada», concluyó Jackson, antes de lanzar un llamado a demoler las «barreras racistas institucionalizadas».

La junta ejecutiva de la Society for Music Theory respondió a la defensa de Jackson acusándolo de «replicar una cultura de blancura». Los colegas de Jackson en la Universidad del Norte de Texas lo criticaron por publicar un simposio «repleto de estereotipos y tropos raciales». Los estudiantes de posgrado dijeron que Jackson debe ser despedido por su historial de acciones «particularmente racistas e inaceptables».

Si Jackson cometió un error, fue para refutar la tesis de Ewell sobre bases biográficas irrelevantes y para desplegar el propio método ad hominem de Ewell contra el propio Ewell. En cambio, debería haberse centrado en lo absurdo de la analogía armonía-carrera en sí misma.

Luego, Jackson fue removido de su dirección del Journal of Schenkerian Studies . El presidente del departamento de Jackson le informó que la Universidad del Norte de Texas dejaría de brindar apoyo financiero e institucional a la revista y al Centro de Estudios Schenkerianos, esencialmente cancelando ambas instituciones. Jackson está en proceso de demandar a la universidad ya los regentes de la universidad por violar sus derechos de la Primera Enmienda. Cualquiera que sea el resultado legal, seguirá siendo un paria entre colegas y estudiantes.

Promover la mediocridad

La mayor víctima del ataque racial a la música clásica es la música misma. Una vez que el veneno de la política de identidad se inyecta en un campo, nunca puede recuperar su inocencia anterior a la caída. Cada vez que un miembro de la industria o un crítico menosprecia a nuestros mejores compositores por ser demasiado blancos y demasiado masculinos, les da a los neófitos, especialmente a los jóvenes, otra razón para cerrar los oídos a este legado.

Buscando hacer que la música clásica sea políticamente aceptable, las orquestas y los conservatorios están resucitando a compositores negros menos conocidos del pasado. (Otros compositores negros, como Samuel Coleridge-Taylor y William Grant Still, se han tocado en las estaciones de radio durante décadas, y con razón). Esta empresa normalmente llamaría a la celebración. El canon se realiza hasta la muerte. Cuanto más música previamente desconocida conocemos, mayor es nuestra comprensión de lo que ha significado ser humano, ya que la música rastrea el movimiento y los anhelos del alma de su compositor. Redescubrir las contribuciones negras a la música clásica es particularmente significativo.

Pero la justificación declarada para esta reanimación destruye su valor. Se dice que todos los compositores anteriores que ahora se presentan en las estaciones de radio y en las salas de conciertos han desaparecido de la atención pública debido al racismo. Esa afirmación es, en la mayoría de los casos, fantasiosa.

Quizás el 98 por ciento de todos los compositores de la tradición clásica no son escuchados ni reconocidos hoy en día. Esos artistas olvidados eran casi todos hombres blancos. Es el triste destino de la mayoría de los compositores caer en la oscuridad, si es que tuvieron la suerte de haber interpretado su música durante su vida. Acusar a la historia de racismo por haber permitido que los compositores negros también hayan caído en el olvido requiere una prueba de mérito abrumador, lo suficientemente fuerte como para superar el olvido habitual infligido a todos los demás. Esa alta carga de la prueba rara vez se cumple.

Los compositores que gozan de mayor protagonismo en este momento son Joseph Bologne, Chevalier de Saint-Georges (1745-1799) y Florence Price (1887-1953). La hipérbole que rodea sus obras es asombrosa.

Bologne era hijo de un hacendado de Guadalupe y de una esclava; pasó la mayor parte de su vida en la sociedad de la corte parisina. A lo largo de sus veinte años, Bologne disfrutó de una renta vitalicia de la herencia de su padre, pero no ha sido cancelada por haberse beneficiado del trabajo esclavo.

Hoy en día, a Bologne se la conoce comúnmente como el ‘Mozart negro’. Esa comparación es bastante risible por derecho propio. Bologne domina el estilo clásico, con una agradable capacidad de impulso. Sus obras son reconocibles en la radio por su sencilla construcción. Pero no poseen el don melódico ni la profundidad emocional que han llevado a los más grandes compositores del mundo a inclinarse ante Mozart con aturdida gratitud.

Para algunos, incluso la etiqueta de ‘Mozart negro’ es insuficientemente hagiográfica. Es a Mozart a quien debería llamarse el ‘Caballero Blanco’, dice Bill Barclay, dramaturgo y compositor. Esto es absurdo. Si Bologne fuera blanca, su obra seguiría siendo marginal. Otros contemporáneos de Mozart, como Antonio Rosetti, Joseph Martin Kraus y Josef Mysliveček, merecen un renacimiento antes de Bologne. No fue el estatus de mestizo de Bologne lo que lo envió al mismo destino que casi todos sus colegas blancos, sino su banalidad.

Florence Price tiene una gran ventaja sobre Bologne: es de ascendencia mixta y mujer, y por lo tanto interseccional. Price se compara con mayor frecuencia con Antonín Dvořák. Esto también es exagerado, aunque su estilo vernáculo estadounidense se inspiró en el compositor checo, especialmente en su uso de espirituales negros. La Sinfonía n.° 3 en do menor (de 1940), considerada su obra maestra, comienza de manera prometedora, con acordes inquietantes y cambiantes que emanan de los metales. Hay momentos de exaltación bulliciosa, sobre todo, en uno de sus característicos bailes africanos ‘juba’ en el tercer movimiento, que incorpora armonías de jazz temprano. Pero la obra es temáticamente inerte y repetitiva; sus melodías, truncadas. Los clímax frecuentes se generan artificialmente a través de choques de platillos. De hecho, la partitura de platillos de Price hace que la afición de Tchaikovsky por el instrumento parezca ascética.

Un pedagogo influyente con el que he hablado llama a la armonía, el ritmo y los materiales de Price «de cuarta categoría». Mucho antes del auge actual de Price, un destacado director de orquesta buscó una pieza suya que pudiera, en conciencia, programar. No pudo encontrar uno, aunque felizmente ha dirigido las obras de otros compositores negros, como William Grant Still, Ulysses Kay y Alvin Singleton.

A veces, el desafío resulta demasiado incluso para los impulsores más dispuestos. The Financial Times , al revisar un concierto de la Orquesta Sinfónica de Boston de noviembre de 2020, admitió que el cuarteto de cuerdas en sol de Price era «ligero». No se preocupe, dijo el periódico, «no es peor por eso».

La Orquesta Sinfónica de Chicago estrenó la Primera Sinfonía de Price en 1933; fue revisado favorablemente en el Chicago Daily News como «digno de un lugar en el repertorio sinfónico regular». La Orquesta WPA de Detroit y varias orquestas de mujeres tocaron sus composiciones. Si sus obras no lograron encontrar ese lugar duradero en el repertorio, no fue por un bloqueo racial.

Irónicamente, los críticos que ahora defienden a Price suelen ser feroces defensores de la vanguardia. En Price, sin embargo, elevan un estilo estéticamente conservador que les interesaría poco si lo practicara un hombre blanco.

La exageración que se está derramando sobre los compositores negros recientemente revividos no es inocua. La inflación está al servicio de la acusación y el resentimiento. Al desdibujar las distinciones reales en el valor musical, los refuerzos raciales dificultan que los nuevos oyentes aprendan qué hace que esta tradición sea monumental. A alguien ignorante de la música clásica no se le debe decir que no hay diferencia entre Dvořák y Florence Price. Un recién llegado debe comenzar con los picos, no con los bajos. El aplauso salvaje que estalla después de una actuación de Price se debe a su significado político actual, no a sus méritos musicales. Sus obras y las de otros compositores menos conocidos merecen una grata audiencia. Pero el elogio entusiasta es condescendiente. Mientras tanto, obras de interés más probable, como las óperas de William Grant Still, siguen siendo un misterio tentador.

A medida que se acumulan las mentiras sobre la música clásica, ningún director, solista o concertino las ha refutado. Estos influyentes intérpretes saben que las últimas sonatas para piano y los cuartetos de Beethoven no tienen que ver con la raza, sino con ir más allá de la experiencia humana ordinaria hacia un universo inexplorado de silencios y espacios inquietantes. Saben que los ciclos de canciones de Schubert no son de raza, sino de añoranza, decepción y alegría fugaz. Saben que la Pasión según San Mateo no se trata de raza, sino de una tristeza aplastante que grita de dolor antes de encontrar finalmente consuelo. Reducir todo en la experiencia humana al tema cada vez más tedioso de la supuesta opresión racial es narcisismo. Esta música no se trata de ti o de mí. Se trata de algo más grandioso que nuestro yo estrecho y mezquino. Pero el narcisismo, la señal característica de nuestro tiempo, está reduciendo a la nulidad nuestra herencia cultural.

Estos directores y solistas son silenciosos, aunque su conocimiento los ha llevado profundamente al mayor de todos los dramas humanos: la evolución del estilo expresivo. Pueden rastrear cómo la languidez erótica de los nocturnos y los conciertos de Chopin se volvió aún más peligrosamente seductora en las obras para piano de Brahms y Rachmaninoff. Saben que incluso un compositor en esta tradición caleidoscópica contiene más profundidad expresiva de lo que cualquier individuo puede imaginar en toda su vida. Estos exitosos músicos han sentido la aterradora anticipación, un momento sin paralelo en el repertorio, cuando un pianista se sienta en silencio frente a la bestia orquestal al comienzo de uno de los grandes conciertos para piano románticos mientras las ondas de sonido se derraman sobre él, o cuando él lanza su propio desafío primero, ya sea un trueno o un susurro, y es respondido a su vez.

Los críticos internos de la música clásica ahora lanzan un recuento de prejuicios de clase por si acaso; estas acusaciones pseudomarxistas son tan engañosas como la acusación de racismo. Sin duda, muchos compositores de los siglos XVII y XVIII tenían mecenas en la corte, y debemos agradecer a esos nobles por respaldar tales tesoros musicales. La ópera seria prerrevolucionaria legitimó el gobierno absoluto al mismo tiempo que intentaba acercar a sus asistentes reales a los ideales de tolerancia y justicia de la Ilustración. El estilo clásico del siglo XVIII está imbuido de nobleza y grandeza; el barroco francés con la formalidad de Versalles. ¿Así que lo que? Con la discutible excepción de la ópera seria, la música escrita para mecenas adinerados, ya sea la Tafelmusik de Telemann o las sinfonías de Haydn, no tiene que ver con la clase, sino con la lógica abstracta de la expresión musical. En ocasiones, la música clásica occidental ha surgido o suscitado pasiones políticas. Pero esas pasiones generalmente se asociaron con movimientos nacionalistas contra los regímenes monárquicos, ejemplificados por el frenesí que estalló en Pest en respuesta a la orquestación de Berlioz de la ‘Marcha Rákóczi’ anti-Habsburgo a mediados del siglo XIX. La mayoría de los compositores canónicos estaban en desacuerdo, en silencio o a gritos, con sus respectivos gobiernos.

Los flagelos actuales impugnan los protocolos de los conciertos como medio clasista de exclusión de un público ‘diverso’. Pero fueron los portadores de privilegios heredados durante el Antiguo Régimen que trataba la música como un telón de fondo para jugar y coquetear. Fueron las clases no aristocráticas las que comenzaron a asistir a la música con silenciosa devoción, que se hizo más compleja y exigente en el siglo XIX. Como escribió Timothy Jackson en su artículo para el simposio de Schenker, sus abuelos maternos y paternos, refugiados empobrecidos de Europa Central y del Este, compraron a su madre y a su padre un violín barato y un piano destartalado durante la Gran Depresión y reunieron suficiente dinero para pagar para lecciones. Sus padres, de clase trabajadora, habían realizado duros trabajos serviles durante toda su vida, pero escuchaban la música clásica como una «llamada de otro mundo, divina, misteriosamente exaltada, que apunta a un plano superior de existencia».

Los guerreros de hoy contra el ‘clasismo’ presumiblemente acusarían a José Antonio Abreu, un economista socialista venezolano, de ser una herramienta involuntaria del ‘poder patriarcal’ blanco, para usar el término de la BBC Music Magazine para el canon . Abreu fundó El Sistema, un programa de formación gratuita en música clásica para niños de barrios de Caracas, con la creencia de que tocar a Bach, Schubert y Brahms los ayudaría a salir de la pobreza y el crimen hacia un mundo mejor. El Sistema, dijo Abreu en 2008, estaba destinado a ‘revelar a nuestros hijos la belleza de la música [para que] la música revele a nuestros hijos la belleza de la vida’. Philip Ewell puede burlarse de Beethoven como, en el mejor de los casos, ‘por encima del promedio’ . La revista de música de la BBC puede gruñir que la ‘grandeza’ es una ‘cualidad fabricada’ diseñada para ‘vender puntuaciones de ‘grandeza’ a tantas personas como sea posible’. Los graduados de El Sistema lo saben mejor. Gustavo Dudamel, director de la Filarmónica de Los Ángeles y el producto más famoso de El Sistema, dijo en 2011 que Beethoven ‘no es solo el punto de referencia de la música clásica; él es el amo de todos nosotros. La séptima de Beethoven es «felicidad». Es la única palabra que encuentro perfecta para esta música.’

Una traición cultural

Aunque los guardianes de nuestra tradición seguramente saben que la música clásica es una herencia invaluable, habiendo dedicado sus vidas a ella, el miedo los paraliza a medida que ese legado desaparece. Me he acercado a directores, compositores y gerentes de compañías, pero todos han decidido guardar silencio.

Tal vez piensen que no vale la pena tomarse en serio el ataque racial a la música clásica. Emanuel Axe, que sí lo hizo oficialmente, se rió con buen humor cuando se le habló de la evaluación de Beethoven de Ewell. ‘Esa es una cita maravillosa’, dijo. ‘Este movimiento no es un peligro para nadie.’ El hacha está mal. Basta con mirar los planes de estudios de los departamentos de literatura de hoy que, comparados con los de hace 40 años, muestran la devastación que la marcha sin oposición de las políticas de identidad causa en la transmisión de la grandeza.

Otros profesionales de la música entienden el peligro. Un educador advierte: ‘Si los conservatorios comienzan a admitir por raza y etnia, ciérrenlos. Tan pronto como se modifican los estándares, el juego termina. La mediocridad es como el monóxido de carbono: no puedes verlo ni olerlo, pero un día estás muerto. Los administradores de Woke Music están relativizando la excelencia como un concepto occidental blanco. Mencione «calidad» en una reunión de gerentes de artes escénicas y es posible que lo acusen de «enviar el mensaje equivocado».

Algunos profesores de Juilliard se jubilaron anticipadamente en lugar de arriesgarse a entrar en conflicto con la mafia obsesionada con la identidad. La búsqueda de la excelencia ahora es secundaria, me dijo el profesor de violín de Juilliard, Earl Carlyss. ‘Es aterrador cuando la política tiene prioridad sobre la calidad.’

Las convenciones de erudición también están bajo ataque. La característica distintiva de la música clásica occidental, que permitió una transformación de estilo sin precedentes durante siete siglos, es que está escrita, a diferencia de la mayoría de las otras músicas del mundo. La notación nos permite, milagrosamente, escuchar lo que la gente tocaba en el siglo XV. Pero los departamentos de música están bajo presión para eliminar el requisito de que los estudiantes puedan leer partituras, ya que dicho requisito es supuestamente excluyente. Los musicólogos antirracistas se están deshaciendo de otra norma básica: la documentación de las fuentes. El musicólogo de la Universidad de Nueva York, Matthew Morrison, se burla de las ‘nociones occidentales (coloniales) de «documentación»‘. como lo expresó en un tweet de noviembre de 2020. Dijo que él no ‘pone todo en papel’. Algunas cosas están destinadas a ser guardadas y transferidas oralmente (y ritualmente).’ En otras palabras, pregúntele a Morrison por sus fuentes escritas y puede ser acusado de racismo. Es un ‘impulso colonial’ el ‘deseo de… tener acceso a todo’, advierte Morrison a sus compañeros académicos y posibles verificadores de hechos.

Morrison no es un personaje marginal. Ha obtenido becas en Harvard, el King’s College de Londres, la Sociedad Americana de Musicología, la Fundación Mellon, la Biblioteca del Congreso y el Centro de Música Tanglewood. Se ha desempeñado como editor en jefe de Current Musicology . Y representa el futuro.

La traición de los guardianes de la música no es única. Otros individuos encargados de preservar la civilización occidental también están abdicando de su responsabilidad, ya sea en connivencia activa con las fuerzas del odio o permitiendo pasivamente que esas fuerzas conquisten su campo.

La Administración Nacional de Archivos y Registros, fundada para preservar los registros históricos de EE. UU., se declaró culpable de racismo sistémico en abril de 2021. El Grupo de Trabajo sobre Racismo del Archivista, que produjo el informe, denunció a la Rotonda del Capitolio en Washington, DC por alabar a los «ricos hombres blancos’ que participaron en la fundación de la nación, mientras que ‘marginaban a BIPOC, mujeres y otras comunidades’. Los miembros del grupo de trabajo incluyeron a los directores de la Biblioteca Presidencial John F. Kennedy y la Biblioteca Presidencial Jimmy Carter.

Todos los temas de humanidades están siendo vaciados con cargos similares. Bajo la lógica del momento actual, cualquier tradición que salga de Europa es racista porque sus colaboradores habrán sido mayoritariamente blancos. No importa que la demografía de Europa hasta los últimos 50 años hiciera inevitable esa composición racial. La música gamelán balinesa, la ópera china, la música clásica india y el tambor parlante nigeriano han sido racialmente monolíticos, sin entrar en conflicto con los monitores de diversidad. Sólo la civilización occidental está siendo atacada por su tradicional homogeneidad racial.

El envenenamiento de la música clásica es bastante desgarrador. Pero a menos que más personas luchen y defiendan nuestra herencia, vamos a cancelar toda una cultura.

Heather Mac Donald es autora de bestsellers del New York Times y becaria Thomas W Smith en el Instituto Manhattan.

Una modelo nacida en Irán, Mahlagha Jaberi, está dividiendo Internet después de que usara un vestido que parecía una soga para crear conciencia sobre una serie de ejecuciones en Irán.

NY Post

Jaberi, de 33 años, publicó un video en su Instagram que «edificó al pueblo de Irán» después de aparecer en el Festival de Cine de Cannes. Compartió el video con el hashtag “#StopExecutionsInIran”.

Irán ha ejecutado a múltiples ciudadanos en la horca en las últimas semanas, a pesar de las condenas de la administración Biden y la advertencia de “no llevar a cabo estas ejecuciones”.

El país ha llevado a cabo al menos 90 ejecuciones en los últimos 18 días, marcando mayo como el “mes más sangriento” en la nación durante los últimos cinco años, según el grupo de Derechos Humanos de Irán con sede en Noruega.

El video y la elección de ropa de Jaberi se están volviendo virales en línea, con periodistas, comentaristas políticos y funcionarios gubernamentales elogiando o criticando a la modelo por su video de protesta.

El periodista de izquierda Yashar Ali criticó a Jaberi por el video, al que calificó de “vergonzoso”.

“Mientras se ejecuta a iraníes inocentes, @MahlaghaJaberi pensó que sería una buena idea usar un vestido con una soga cosida y luego filmar un video seductor con una canción que se ha convertido en un himno para los manifestantes. Absolutamente vergonzoso por todos lados. ¡Y luego terminar el video con ‘detener las ejecuciones’ y ningún otro contexto o información lo hace inútil!”

As innocent Iranians are being executed, @MahlaghaJaberi thought it would be a good idea to wear a dress that has a noose sown into it and then film a seductive video using a song that has become an anthem for protestors.

Absolutely disgraceful all around.

And then to end the… pic.twitter.com/0gbbxk3GP5

— Yashar Ali 🐘 (@yashar) May 29, 2023

El investigador principal del Instituto Hudson, Michael Doran, dijo que el vestido de Jaberi era una forma «llamativa» de «protesta».

El asesor del Ministro del Interior de Ucrania , Anton Gerashchenko, escribió que el vestido de Jaberi era una señal de que era “valiente”. Otros dijeron que «están» con ella.

“ Más de 200 personas fueron ejecutadas en Irán solo este año. Otra mujer valiente. ¿Quizás si las mujeres fueran mayoría en la política, no habría más guerras? ¿Qué opinas?»

Jaberi publicó una declaración en su cuenta de Instagram luego de la reacción violenta con cierta claridad sobre su elección de moda.

“Segundo look del 76º Festival de Cine de Cannes”, escribió. “Mi vestido diseñado por @jilaatelier. Queríamos hacer una declaración de moda para observar el glamour de Cannes, pero lo que es más importante, llamar la atención de los medios sobre las ejecuciones injustas de personas iraníes. Desafortunadamente, las declaraciones políticas no están permitidas en el festival de cine y la seguridad me impidió mostrar la parte de atrás de mi vestido, pero el significado de ‘soga’ fue bien entendido”.

Vedant Patel, el principal portavoz adjunto del Departamento de Estado de EE. UU., condenó la reciente ola de ejecuciones en Irán.

“Nos unimos al pueblo de Irán ya la comunidad internacional para pedir a Irán que no lleve a cabo estas ejecuciones. La ejecución de estos hombres, después de lo que se ha considerado ampliamente como juicios falsos, sería una afrenta a los derechos humanos y la dignidad básica en Irán y en todas partes”.

La agencia de noticias Mizan, controlada por el régimen iraní y afiliada al opaco poder judicial del país, informó que Saleh Mirehashemi, Majid Kazemi y Saeed Yaqoubi fueron ejecutados el 19 de mayo en una prisión de la ciudad de Isfahan.

“Lo que estamos presenciando en Irán no son ejecuciones, sino asesinatos masivos extrajudiciales para crear miedo social para mantener el poder”, dijo el director de derechos humanos de Irán, Mahmood Amiry-Moghaddam.